La Pasión de Cristo en Centros Culturales de Buenos Aires

UNA ADAPTACIÓN TEATRAL DE LOS SANTOS EVANGELIOS  –  

pasión de cristo
Carlos Benincasa como Herodes y Natalia García como Muerte, en una escena de la obra teatral “La Pasión de Cristo” dirigida por Adrián Lazz.

NUGDEA (Nueva Generación de Artistas) presenta bajo la dirección de Adrián Lazz la teatralización de La Pasión de Cristo, ofreciéndola durante el mes de agosto en el Museo Enrique Larreta, en septiembre en Centro Cultural Sur y en octubre en Centro Cultural Marcó de Pont de la Ciudad de Buenos Aires.
Habitualmente las obras con argumento basado en los sucesos de la Pasión de Jesús se ofrecen en fechas cercanas a la Semana Santa Cristiana, pero NUGDEA lo hace en pleno invierno porteño y al aire libre en los jardines de los Centros Culturales.
Este ámbito escénico despojado de elementos técnicos hace que las funciones se vean influidas por las condiciones climáticas de los días de representación.
De todas maneras Adrián Lazz, también libretista, no sujetó estrictamente a los Santos Evangelios su versión teatral sino que optó por rápidos pasajes de situaciones e incorporó algunos cambios a la historia religiosa con los que se insiste, a lo largo de la representación, y a modo de mensaje, en la esperanza de resurrección con la que los cristianos llegan al final de la vida.
En escena puede verse a la Muerte, interpretada por Natalia García, en el intento de impedir que Cristo resucite, aunque desde la platea se percibe que el personaje está mucho más poseído por la relatividad de un sentimiento de venganza que por la absolutez de un poder conclusivo.
Los pasajes del Nuevo Testamento transcurren en la obra en función del ámbito en el que son representados y están alejados del dramatismo con que fueron narrados por los Evangelistas, por lo que algunas situaciones bíblicas se encuentran entremezcladas en esta obra de la misma manera que lo están en la película Rey de Reyes de Nicholas Ray.
Con esta fusión de situaciones algunos actores se encontraron ante la exigencia de construir sus personajes con cierta versatilidad, tal es el caso de Carolina Derocco Cottet que comienza como La adúltera y continúa, sin transición, como María Magdalena; el de Sebastián Becker que con el personaje de Judas debe pasar de la firmeza al arrepentimiento en cortas y aisladas escenas y el de  Carlos Benincasa cuyo personaje es una fusión entre Herodes El Grande y Herodes Antipas.
Las escenas donde el director se luce son las armadas para los diálogos entre Herodes y Poncio Pilatos, personaje éste último interpretado por Román Golín.
El actor Martín Viñas asume el protagónico rol de Jesús con un phisique du rol adecuado desarrollándolo de manera creíble y sin caer en desbordes.
CARLOS HERRERA

Juventus Lyrica – Orfeo y Eurídice de Christoph Gluck por María Juanarena y Hernán Schvartzman

INNOVADORA PUESTA EN ESCENA PARA UNA ÓPERA SOBRE LA ELABORACIÓN DE UN DUELO – 

orfeo
Escena de Orfeo y Eurídice en la puesta en escena de María Juanarena con dirección musical de Hernán Schvartzman para Juventus Lyrica. Intérpretes: Martín Oro, María Goso y Victoria Gaeta.

La segunda presentación  de Juventus Lyrica en su temporada 2016 fue con la ópera Orfeo y Eurídice de Christoph W. Von Gluck con libreto de Raniero di Calzabigi con dirección escénica de María Juanarena y dirección musical de Hernán Schvartzman.
Este comentario, como es habitual en esta web, se centrará en la puesta en escena, la interpretación y los diseños de los distintos elementos que integran el armado de un espectáculo de la magnitud del género de la ópera.

Una historia mitológica en el siglo XXI

Esta ópera fue la primera de sus obras en las que Von Gluck despojó a la música de la complejidad para darle un estilo simple.
La historia de Orfeo, en su viaje al reino de Hades en la desesperada búsqueda de su amada Eurídice, que le ha sido arrebatada por una muerte repentina, contiene una vigencia imperecedera aunque parezca paradójico utilizar este calificativo al referirse a la elaboración de un duelo.
Esta vigencia fue aprovechada por María Juanarena para su puesta en escena al construir una audaz recreación narrativa mediante el uso de elementos tecnológicos y un entrecruzamiento de disciplinas artísticas, y desafió de esta manera a los puristas que pueden haberse sentido confundidos ante la representación de una tragedia griega que transcurre en la actualidad.

Una ópera con pocos personajes

La trama de esta ópera contiene pocos personajes, la pareja protagónica, Orfeo y Eurídice, y Amor, el personaje que desencadena el desarrollo de la historia, acompañados por el coro.
El contratenor Martín Oro asumió el rol de Orfeo con solvencia, buen fraseo y cuando interpretó Che farò senza Euridice logró prolongado aplauso a telón abierto.
Eurídice fue interpretada por la soprano María Goso a quien se la apreció muy segura y se lució al cantar Che fiero momento.
La soprano Victoria Gaeta en cada una de sus apariciones en escena captó la atención de los espectadores con su tesitura y seguros aunque complicados movimientos corporales que requería Amor, el personaje que interpretó.
También en escenas se vieron personajes accesorios, destacándose la participación de Oreste Valente como Caronte y Carlos Kaspar como Médico.
El coro se lució en cada una de sus intervenciones bajo la dirección de Hernán Sánchez Arteaga y la escenografía diseñada por Gonzalo Córdova impactó a los espectadores desde el ingreso de los mismos a la sala.
La solvencia del joven Maestro Hernán Schvartzman es indiscutible y su desempeño en la dirección musical de Orfeo y Eurídice para Juventus Lyrica fue excelente.
CARLOS HERRERA

Reapertura del Teatro de la Ribera de Buenos Aires.

EL DISTRITO DE LAS ARTES Y LAS REAPERTURAS DE LAS SALAS DEL COMPLEJO TEATRAL DE BUENOS AIRES  –  

Teatro de la Ribera
Teatro de la Ribera de Buenos Aires con murales de Benito Quinquela Martín mientras se construye la escenografía de la obra “El andador” de Norberto Aroldi.

El 9 de junio de 2016 se reinauguró el Teatro de la Ribera ubicado en el barrio de La Boca de la ciudad de Buenos Aires.
El acto de reapertura se realizó con una sencilla ceremonia encabezada por Jorge Telerman, Director del Complejo Teatral de Buenos Aires al que pertenece dicha sala teatral, Eva Thesleff de Soldati, presidenta de la Fundación Amigos del Teatro San Martín y por Darío Lopérfido, Ministro de Cultura de la Gobernación de la Ciudad de Buenos Aires.
El Complejo Teatral de Buenos Aires (CTBA) del que fue fundador Jorge Telerman durante su gestión como Secretario de Cultura, está conformado por Teatro Gral. San Martín, Teatro de la Ribera, Teatro Presidente Alvear, Teatro Regio y Teatro Sarmiento y funciona bajo la órbita del Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Teatro de la Ribera

Luego de un largo período en el se mantuvo cerrado debido a tareas de refacción y puesta en valor, se suma a la actividad teatral del CTBA conjuntamente a los Teatros Regio y Sarmiento que eran las dos únicas salas del complejo que hasta mayo de 2016 funcionaban normalmente.
Las obras de puesta en valor incluyeron recuperación de la fachada con los colores originales del edificio, retapizado de todas las butacas, cambio de las parrillas lumínicas, instalación de rampas en los accesos y de un ascensor en el hall, y también el acondicionamiento de los murales ubicados en la sala cuyo autor fue Benito Quinquela Martín quien donó en 1971 el Teatro de la Ribera a la ciudad de Buenos Aires.

Escuela de Técnicos del Espectáculo en Vivo

El edificio del Teatro de la Ribera también será sede de la Escuela de Técnicos del Espectáculo en Vivo.
A tal fin fueron construidas dos aulas en un sector del techo del Pullman que correspondía a una de las terrazas de la edificación según informó al cronista, el Director de Obras de Ingeniería y Arquitectura de la Gobernación arquitecto Claudio Cané.

Teatro Gral. San Martín y Teatro Alvear

Jorge Telerman comentó al cronista que está previsto que las obras de refacción que se efectúan en el Teatro Gral. San Martín estarán terminadas en diciembre de 2016 con fecha de entrega en enero de 2017 y que su temporada teatral comenzará en el mes de marzo del mismo año.
A lo largo de la conversación también informó que una vez terminadas las obras en el Teatro Gral. San Martín comenzarán, de inmediato, las tareas de refacción y puesta en valor del Teatro Alvear de las que está prevista su terminación para el mes de diciembre de 2017.

El barrio de La Boca en el Distrito de las Artes de Buenos Aires

Por su parte, Darío Lopérfido, Ministro de Cultura, comentó que dentro del plan cultural de su gestión, se impartirá enseñanza artística y de oficios a niños que viven en zonas desfavorecidas para que tengan la posibilidad de acceder, entre otras instituciones, a la Escuela de Técnicos del Espectáculo en Vivo.
Refiriéndose al barrio de La Boca consideró que era una zona que se había degradado pero que en la actualidad se la está dotando de entidades culturales como el Museo de Arte Moderno, La Usina del Arte, el Museo del Cine y la Fundación Proa a las que ahora se suma el Teatro de La Ribera.
Además informó que con el Ministerio de Innovación se trabaja en un proyecto que contempla la cesión de las tradicionales cantinas del barrio a artistas jóvenes, la peatonalización de la calle Necochea y la desgrabación de impuestos a quienes desarrollen actividades culturales en la zona Distrito de las Artes de la que forma parte La Boca.
Agregó que una zona industrial degradada se puede recuperar convirtiéndola en un distrito cultural tal como ha sucedido en Berlín con Prenzlauer Berg y en Nueva York con el Soho.
El Teatro de la Ribera reiniciará sus actividades el día 18 de junio de 2016 con la puesta en escena de la obra El andador de Norberto Aroldi.
CARLOS HERRERA

Tigrou – Acrobacia bajo la carpa del circo

 ARTISTAS ACRÓBATICOS EN EL CIRCO DEL TERCER MILENIO  –

1098249_967052216664846_5612746783601705550_n
Lucas Griffo y Magalí Rosario en el cuadro de aerial straps del espectáculo Tigrou de InnovaCirco.

Buenos Aires Polo Circo es un espacio singular dentro de los ámbitos artísticos de la Capital de la Argentina, en el que se desarrollan espectáculos circenses protagonizados por artistas acrobáticos, verdaderos atletas, que a lo largo del show muestran sus destrezas a un público expectante.
Desfilaron bajo su carpa elencos nacionales e internacionales y durante el mes de abril de 2016 se presenta la compañía suizo-argentina InnovaCirco con su espectáculo Tigrou.

Tigrou, un cuento surrealista

La trama argumental del show cuenta la historia de Tigrou, que perdido en un bosque encuentra refugio en un castillo y encuentra que el mismo está habitado por sorprendentes personajes que lo guiarán hacia la madurez por medio de canciones, bailes y acrobacias.
Pablo Pérez, autor del libro y responsable de la dirección ha creado un mundo mágico donde todo es posible desde una mirada surrealista.

Técnicas acrobáticas en escena

Durante la representación el espectador no está tan pendiente del desarrollo del argumento sino del talento de un elenco integrado por bailarines y acróbatas que en una vertiginosa puesta en escena captan la atención de manera permanente durante los noventa minutos que dura el espectáculo.
Además de las canciones y la música original de Sebastián Verea que son el soporte para las coreografías de Gustavo Wons, desde las gradas del circo se asiste a cuadros con técnicas de cyr wheel, rebote de pelotas, trapecio, cuerda floja, aros aéreos y cuerdas aéreas.
Si bien todo el elenco muestra gran talento y homogeneidad interpretativa, en la función a la que asistió el cronista los aros aéreos (aerial hoops) jugados por Micaela Monzón, Jesica Miramontes y Serena Méndez fue el cuadro más aplaudido, mientras que el que más sorprendió a la platea fue el de Magalí Rosario y Lucas Griffo con la cuerda aérea (aerial straps) y las figuras logradas en los giros de la misma.
Todos los integrantes del elenco siguieron las coreografías de manera expresiva y con plasticidad.
Se trata de un espectáculo de calidad que disfruta el público de todas las edades.
Se ofrece en Buenos Aires Polo Circo ubicado en Avenida Garay y Combate de los Pozos de CABA, con entradas que tienen un valor de $ 50 los días jueves y $ 70 de viernes a domingo y pueden adquirirse en el Centro Cultural San Martín (Sarmiento y Paraná) todos los días y en Buenos Aires Polo Circo de miércoles a domingo de 13 a 19. También pueden adquirirse por internet.
CARLOS HERRERA

Sofocados – Los autores de televisión en el teatro

ESCRITORES QUE LUCHAN POR SOBREVIVIR EN EL DIFÍCIL MEDIO DE LA TELEVISIÓN   –

PRENSA - OMAR
Fernando Álvarez en una escena de “Sofocados”, obra de teatro de la que es coautor con Diego Serlin.

Fernando Álvarez y Diego Serlin reestrenaron Sofocados, su tercera obra, con dirección de Verónica Edye con una trama de suspenso centrada en la historia de Omar Pouzán, un escritor televisivo que en cuarenta y ocho horas deberá terminar un guión que lo colocará nuevamente en el prime time de la programación.
A tal fin se recluye en una casa en el Delta del Paraná, a orillas del río, junto a Jazmín, su secretaria y Federico, un joven escritor. Santiago, el casero de la residencia, los acompaña, aunque sólo a veces.
El clima caluroso y un acondicionador de aire que no funciona crearán un ambiente tenso donde el autoritarismo, la pasión, la desconfianza, el ansia por competir y la traición crecerán hasta llegar a ser, como la temperatura, absolutamente sofocantes y provocar un desenlace inesperado

El suspenso en la puesta en escena

La construcción dramatúrgica mantiene al suspenso como su base principal, algo que fue aprovechado por la directora para su puesta en escena para remarcar situaciones con semiluces. Es un buen recurso el utilizar la casi penumbra para remarcar los diferentes climaxs, aunque tiene su falla en una luz amarilla en el centro de foro que encandila a los espectadores ubicados en las plateas centrales.
Los personajes se mueven en un amplio ámbito escénico fragmentado por sectores para desarrollar diferentes situaciones dentro de una escenografía muy funcional a la puesta.
El elenco integrado por Valeria Blanco, Fernando Álvarez, Gabriel Zuccarini e Ismael Santillán realiza una labor homogénea sobre personajes bien definidos, si bien llama la atención la labor de Santillán en el rol del casero Santiago quien en los rápidos movimientos definitorios de situación que le toca actuar, demuestra poseer excelente técnica corporal.
El espectador se mantiene expectante con la historia de suspenso que se desarrolla en escena.
Sofocados se ofrece en el teatro Hasta Trilce, Maza 177 de la ciudad de Buenos Aires, los días sábados a las 21. Tel. 4862-1758. Las localidades tienen un valor de $ 130 con descuentos para jubilados y estudiantes.
CARLOS HERRERA

Caja robada en Teatro El Cubo por la compañía Altro Ké

COMEDIA CON PERSONAJES BIZARROS EN UN ATAQUE DE HARTAZGO Y AMBICIÓN   –

12313880_10205462598789329_4138370255023740353_n
Romi Pinto, Silvina Tenorio y Cristian Majolo en una escena de “Caja robada” de Walter Rodríguez.

La Compañía Altro Ké presentó su cuarta producción con la obra Caja robada de Walter Rodríguez.
Una comedia paradigmática con flashes de otros géneros tales como el grotesco, la sátira, la parodia, el suspenso y el comic, para una alucinante historia donde una empleada de un taller, a punto de jubilarse, convence a su compañera de tareas y al hijo de la misma de dar el gran golpe que cambiará sus oscuras existencias.
Es difícil ser ladrón cuando se tienen otros códigos y se pretende que ese “golpe” los transforme en héroes de ellos mismos para, de esa manera, ser “triunfadores de la vida”

Espectadores para la fantasía

La trama transita por una seguidilla de gags que provocan carcajadas en la platea y quizá los espectadores open mind sean quienes más disfruten de esta obra, ya que en el escenario todo el tiempo se desarrollan situaciones disparatadas, llenas de fantasía y lejos de la verosimilitud.
Con la obra Caja robada los espectadores encontrarán la manera de ver algunas realidades con las que sentirse identificado paro reirse de ellas.
El elenco integrado por Romina Pinto, Cristian Majolo y Silvina Tenorio realiza acertadas composiciones en las que algunos desbordes fueron aprovechados por el director Gaby Fiorito para construir una puesta ágil que logra que el espectador disfrute de cada situación cómica que se desarrolla en escena.
Caja Robada se ofrece en el Teatro El Cubo, Zelaya 3053 de la ciudad de Buenos Aires, los días sábados a las 22.
Carlos Herrera

Ópera Carmen de Bizet por Juventus Lyrica

UNA PERSONALIDAD ABSOLUTAMENTE LIBRE – 

"El coro de los niños callejeros", escena de la ópera Carmen de G. Bizet por Juventus Lyrica
“El coro de los niños callejeros”, escena de la ópera Carmen de G. Bizet por Juventus Lyrica

Juventus Lyrica puso en escena la ópera “Carmen” en el Teatro Avenida de la Ciudad de Buenos Aires y en la segunda función, el 8 de noviembre de 2015, los roles protagónicos fueron interpretados por Rocío Arbizu como Carmen y Marcelo Gómez como Don José; la dirección de actores y puesta en escena estuvo a cargo de Ana D´Anna y María Juanarena, en tanto que Hernán Sánchez Arteaga fue el director musical de esta versión de la ópera compuesta por Georges Bizet con libreto de Henri Meilhac y Ludovic Halévy.
Este comentario, como es habitual en esta web, se centrará en la puesta en escena, la interpretación y los diseños de los distintos elementos que integran el armado de un espectáculo de la magnitud del género de la ópera.

Puesta en escena de la ópera “Carmen”

Respaldadas por el excelente trabajo realizado por Hernán Sánchez Arteaga en la preparación y dirección musical, Ana D´Anna y María Juanarena realizaron una puesta en escena atractiva, con buen aprovechamiento del espacio escénico y fluidos desplazamientos que permitieron soltura a los cantantes en beneficio de la construcción de sus personajes.
La precisa iluminación de Gonzalo Córdova logró por momentos rescatar la presencia de una escenografía que, si bien funcional a la historia y a los cambios escénicos, se veía un tanto deslucida. Mientras que el vestuario, con diseños sencillos de María Juanarena, marcó perfectamente a cada personaje y la situación que vivía.

Intérpretes de “Carmen para Juventus Lyrica

Rocío Arbizu compuso a Carmen como la mujer transgresora que marca el libreto pero con más rasgos de desfachatez que de sensualidad y con movimientos rápidos y un tanto “secos” que la alejaron de la voluptuosidad con la que se suele interpretar a este personaje. Arbizu se lució con el aria “El amor es un pájaro rebelde” (Habanera).
Marcelo Gómez, un tenor con gran presencia escénica, para interpretar a Don José, buscó aprovechar los diferentes estados emocionales por los que transita el personaje, remarcó las diferencias de los mismos y logró transmitir el sentimiento que atormentaba al brigadier.
María Fernanda Doldán tuvo a su cargo el personaje de Micaela, la “buena” de la historia, cuando cantó su aria fue ovacionada a telón abierto y luego, en el hall del teatro pudo escucharse innumerables comentarios favorables sobre la labor de la soprano.
También se lució Alberto Jáuregui Lorda como Zuñiga y es para destacar que Claudio Arias como el Bailaor mantuvo en vilo a los espectadores a lo largo de todo su baile sobre una mesa y logró que algunos espectadores zapatearan en la platea.
El “Coro de los Niños Callejeros” también logró prolongado aplauso y buenos comentarios en el hall, un gran mérito de su preparado Federico Neimark.

Temporada 2016 de Juventus Lyrica y sugerencia para 2017

Con Carmen de Bizet Juventus Lyrica cerró su temporada 2015 y ya anunció la programación de la temporada 2016 que estará integrada por La viuda alegre de Franz Lehár, Orfeo y Eurídice de Christoph W. Gluck y Madame Butterfly de Giácomo Puccini.
Como Juventus Lyrica programa con un año de anticipación desde este espacio sugerimos que para la temporada 2017 se considere la puesta en escena de una ópera de compositor argentino. El público la recibiría muy bien, ya que es un tema que suele oirse hablar en el hall del teatro, lugar donde este cronista confronta sus impresiones.
Carlos Herrera

Eduardo Pavslosky, el autor, el actor y el psicoanalista

– “Me pregunto, ¿para qué existimos?… –  

Eduardo
Eduardo “Tato” Pavlovsky, en octubre de 2010.

El intelectual argentino Eduardo “Tato” Pavlovsky era deportista, se recibió de médico psicoanalista y posteriormente llegó al teatro como actor y luego incorporó la tarea de dramaturgo. Si bien nunca
sintió la necesidad de abandonar alguna de sus múltiples actividades, confiesa que cuando regresó de su exilio en España sintió que debía prevalecer sólo una ellas, pero pronto desechó esa idea.

C.H. -¿Hay un hecho puntual que marca la llegada del teatro a su vida?
E.P. – Hay dos hechos puntuales; en el año 1954 con un grupo de amigos hicimos, la comedia “Tovarich” de Jacques Deval. Al entrar al escenario tuve la rara sensación de pertenencia a ese ámbito. Un año después, y ya dedicado al psicoanálisis, vi la obra “Esperando a Godot” y en esa obra están expresadas angustiantes preguntas que aún me hago y que no tienen respuesta psicológica definida,
C.H. -¿Cúales son esas preguntas que se hace?
E.P. – Me pregunto, ¿para qué existimos? ¿Qué sentido tiene todo esto?
C.H. -Y que estén en esa obra le impactó…
E.P. – Fue un impacto conmocionante. Entonces quise acercarme al teatro, pero en esa época un médico no podía ser actor.
C.H. -¿El ámbito teatral argentino era tan cerrado como para no permitirlo?
E.P. – Al revés, el hecho de ser psicoanalista me lo impedía. Porque hay algunos escritos de Freud que son duros con el actor al decir que son personas inmaduras que necesitan completar su yo con el espectador. Pero me di cuenta de algo que a mis 76 años aún afirmo, que es que cuando el psicoanalista desconoce la trama argumental del que habla, la interpreta.
C.H. -¿Considera que cada espectador o lector también tiene su propia interpretación?
E.P. – Sí. Creo en lo que dice Umberto Eco sobre la obra abierta, que en el hecho del arte significa la pluridimensionalidad de la visión de cada espectador tejiendo la propia historia entre el hecho estético y su mundo.
C.H. -¿Y si un espectador le da una visión diferente a la suya sobre algo que usted escribió?
E.P. – Hay una línea ideológica definida en mi teatro que para mi es rebatible. En la obra “Potestad” señalo un hecho histórico de tiempos de la dictadura en la Argentina como es la apropiación de niños, pero hay subjetividades porque en esa época se enfrentaron dos bandos pero también había mucha gente fuera de ellos que no se sentía perseguida y es la que puede rebatir.
C.H. -En “Potestad” usted instala la idea de que un torturador también puede estar capacitado para amar.
E.P. -Y eso causó una gran polémica porque yo decía que se confundía el juicio de valor con la formación de subjetividad del protagonista que sufre cuando considera que le roban a su hija pero no tiene en cuenta que él ha robado esa niña a sus verdaderos padres. Los sentimientos y lo que pasa por su cabeza forman su subjetividad y no tienen nada que ver con el juicio de valor de lo que hace.
C.H. -Para eso, al ser psicoanalista, ¿no tiene ventaja sobre otros autores teatrales que no lo son?
E.P. – No. Porque los psicoanalistas sabemos más sobre el inconsciente y la subjetividad se hace sobre el preconsciente. El inconsciente no sabe lo que hace, a muchos eso les sirve de excusa, pero en el estado consciente hay gente que ha llegado hasta a matar por admiración.
C.H. -¿Usted admira a alguien?
E.P. – A algunos intelectuales como Cesar, por estar comprometido en la política diaria y a El Che, a quien admiro fanáticamente.
C.H. -¿Cree que Guevara era un intelectual?
E.P. – Lo creo. Fue un intelectual raro, guerrillero, pero me parece un intelectual de altísimo nivel, con una coherencia entre lo que sentía, lo que hacía y lo que decía. Edward Said dijo que un intelectual tiene la obligación de opinar sobre la sociedad que le dio su formación. A mí me llamaron para ser integrante de la lista Carta Abierta y pensé que se me llamaba en calidad de intelectual crítico, pero no fue así.
C.H. -¿Cuándo tomó conciencia de que usted era un intelectual?
E.P. – A mí se me mezclaban las ideas. He sido deportista y con este físico no doy la imagen de intelectual, pero me fui formando con lecturas y sobre todo por estar cerca de personas más inteligentes que yo que me daban sus opiniones.
C.H. -¿Quiénes son más inteligentes que usted?
E.P. -Puedo nombrarle a Alberto Ure en teatro y a Baremblit en psicoanálisis, sabían más y pensaban mejor que yo. Dentro del psicoanálisis también admiré a Emilio Rodrigué y llegué a hacer una película, “Heroína”, con el guión basado en una de sus novelas.
C.H. -Fue actor en muchas películas pero desarrolló más la actuación teatral.
E.P. – Me considero actor de teatro y no de cine. Creo que las películas son del director. Me costó mucho disciplinarme para ser actor cinematográfico. Recién ahora puedo decirle que soy buen actor de cine (sonríe) pero en teatro soy mejor,
C.H. -En el teatro argentino se lo considera actor del under.
E.P. – Yo elegí una línea under porque es más afín con mi ideología y pude hacerlo porque siempre viví de mi profesión de psicoanalista. Pero no quiero hacerme el purista porque si no hubiera tenido los medios que tuve quizá hubiera hecho televisión
C.H. -Es médico, psicoanalista, actor, autor y deportista. ¿Nunca pensó dejar alguna de esas actividades?
E.P. – No. Aunque tuve dudas existenciales cuando volví del exilio en España, donde vivía muy bien, y no sabía cual de esas actividades ejercer en Buenos Aires. Pero, finalmente, me asumí como un todo.

Eduardo Pavslovsky, se definía como un “todo” y para el teatro argentino eso fue lo que significó. Murió el 4 de octubre de 2015, exactamente cinco años después de que, amablemente, concediera esta entrevista en su casa del barrio de Belgrano de la ciudad de Buenos Aires.
Carlos Herrera

Las bodas de Fígaro de W.A. Mozart por Juventus Lyrica

LA COMICIDAD JUNTO A LA CRÍTICA SOCIAL EN EL ARGUMENTO DE UNA ÓPERA –  

Soprano María Goso y barítono Juan Salvador Trupía y Rodríguez en "Las bodas de Fígaro" de W.A. Mozart por Juventus Lyrica.
Soprano María Goso y barítono Juan Salvador Trupía y Rodríguez en “Las bodas de Fígaro” de W.A. Mozart por Juventus Lyrica.

Juventus Lyrica en su segunda presentación dentro de la temporada 2015 presenta la ópera “Las bodas de Fígaro” de W.A. Mozart con libreto de Lorenzo da Ponte, con dirección musical de Hernán Schvartzman y dirección escénica de María Jaunarena. Esta ópera, cargada de comicidad y crítica social desarrolla en su trama las vicisitudes de Fígaro y Susana para poder concretar su boda ante los requerimientos del Conde de Almaviva y las intrigas de la criada Marcelina y el Maestro Don Basilio. Los dos enamorados cuentan con la adhesión y ayuda de la Condesa de Almaviva y en las situaciones de enredos, confusiones y simulaciones participan el paje Cherubino, el jardinero Antonio y también Alfredo, el ex tutor de la Condesa, el notario Don Curzio y Barbarina, la hija del jardinero. Las bodas de Fígaro por Juventus Lyrica El 12 de julio de 2015 se ofreció la segunda función de Las bodas de Fígaro programada para la temporada de Juventus Lyrica. Fígaro fue interpretado por el barítono Juan Salvador Trupía y Rodríguez con gran lucimiento tanto por su caudal vocal como por su sólida actuación desempeñando su rol con seguridad y soltura. María Goso encaró su papel de Susana con energía apoyándose en su potente voz aunque tuvo algunos pasajes de impresición que no desmerecieron su labor. Oriana Favaro con un physique du rol muy adecuado se lució como la Condesa Rosina sobre todo en el aria “E Susanna no vien!” que arrancó aplausos a telón abierto. Fernando Grassi realizó un minucioso trabajo actoral para lograr la compleja personalidad del Conde de Almaviva y su desempeño vocal fue impecable. Cecilia Pastawski se ganó la continua atención y adhesión de todos los espectadores con su rol de Cherubino elaborado con gran precisión y logró proyectar una comicidad que fue disfrutada por todos los asistentes y que se evidenció en el saludo final. El coro a cargo de Hernán Sánchez Arteaga tuvo un desempeño adecuado. Muy bueno y atractivo el vestuario diseñado por María Juanarena mientras que Gonzalo Córdova realizó, como es habitual en sus diseños para Juventus Lyrica, una escenografía que en sucesivas modificaciones fue creando los ámbitos adecuados para cada acto. La puesta en escena de María Jaunarena fue muy dinámica lo que redundó en que una ópera tan extensa fuera amena y captara la atención del espectador durante toda la representación. La directora artística también realizó marcaciones que enriquecieron a los personajes. Hernán Schvartzman desde la dirección musical imprimió en la orquesta un desempeño homogéneo. Además Schvartzman siempre tiene una participación activa dentro del desarrollo de la trama con lo que logra ganarse la simpatía de los espectadores; esta vez, junto a María Jaunarena fueron más allá e hicieron que hasta la orquesta tuviera “participación actoral”. Las bodas de Fígaro se ofrecerá el jueves 16 y el sábado 18 a las 20 en el Teatro Avenida ubicado en Avd. de Mayo 1222 de la ciudad de Buenos Aires. CARLOS HERRERA

Los hijos de Eva – La vida de los enfermos mentales en una obra de teatro

Minucioso trabajo de los actores en una obra sobre la vida en un hospital neuropsiquiátrico –

Santiago López, Ezequiel Martínez, Diego Schmukler, Julián Outeda y Ulises Puiggros en una escena de
Santiago López, Ezequiel Martínez, Diego Schmukler, Julián Outeda y Ulises Puiggros en una escena de “Los hijos de Eva”.

En el teatro argentino, sobre todo en el alternativo, han subido a escena muchas obras en las que su argumento giraba en torno a la situación de los pacientes psiquiátricos en las que se entregaba al espectador la visión, a veces deformada, que sobre los mismos tenía el autor, que en la mayoría de los casos no conocía, o al menos no en profundidad, la vida diaria de los internos en un hospital neuropsiquiátrico.
Diego Doello, el autor de Los hijos de Eva, trabaja en el Hospital Psicoasistencial José Borda de la ciudad de Buenos Aires y con base en esa función puede deducirse que conoce desde el interior lo que les sucede a los internos de ese establecimiento. De esa manera, presenta en escena cinco personajes con diferentes trastornos mentales que están alojados en un pabellón hospitalario.
Doello muestra al interno que ha convertido al hospital en “su lugar” y por esa razón es una especie de líder de sus compañeros entre los cuales se encuentra uno con una incapacidad total de conectarse con la realidad, otro al que su patología lo mantiene a merced de sus instintos básicos, otro al que sus delirios místicos le permiten vivir en un mundo ideal y también a un interno que niega padecer algún trastorno mental. La historia se centra, en la primera mitad de la obra, en la presentación de los personajes y algunos bosquejos de lo que le sucede a cada uno, pero luego la ausencia de un nudo argumental contundente hace que la puesta en escena no tenga teatralidad a lo que se suman desajustes en la dirección y deja todo librado a la intuición de los integrantes del elenco.
Afortunadamente los actores que interpretan a los internos lograron composiciones precisas que evidentemente se basan en una minuciosa observación de pacientes reales que les ha hecho desarrollar una buena labor desde lo corporal. Y justamente, debido a la expresión corporal se destaca la labor de Ezequiel Martínez en un personaje que casi no emite sonidos, pero el actor no llegar al desborde y logra ganarse la simpatía de toda la platea. Ulises Puiggros consigue en Los hijos de Eva una ajustada composición con la que demuestra un crecimiento actoral que le permite recrear a un personaje que está muy alejado de los que últimamente interpretó. Diego Schmukler y Santiago López supieron aprovechar las situaciones cómicas que les marcó el texto.
Los hijos de Eva se ofrece los días sábados a las 23 en el Auditorio Losada ubicado en Av. Corrientes 1551 de la ciudad de Buenos Aires. Tel. 4371-9098.
Carlos Herrera